Depuis 2010, Estrid Lutz et Emile Mold explorent ensemble les zones de friction de l’hyperprésent. Diplômés avec les félicitations des Beaux-arts de Paris en 2016, leurs œuvres témoignent d’une imbrication violente entre différents niveau de réalité. Entre réel et virtuel, homme et machine, organique et synthétique, la fusion harmonieuse rêvée au siècle dernier s’est progressivement délitée, cédant la place aux chocs, aux crashs et aux hybridations contre-nature qui font temporairement entrer en collision des registres que tout oppose. A travers des installations où sont mis en tension divers matériaux synthétiques ou trouvés, agrégeant comme au sein d’un organisme parasité la fibre de carbone, la mousse ou des fragments de grillages de sécurité, le duo transforme ces frictions en matrice. Plus récemment, une nouvelle série de collages lenticulaires déplaçait cette logique au registre des image. A la fois fixes et mouvantes, celles-ci varient selon l’angle de vision adopté, semblant recracher en vrac la mémoire visuelle d’un écran défaillant. Cabossées, sublimes et tragiques, les œuvres d’Estrid Lutz et Emile Mold déplient la palette des émotions contemporaines, tout en restant toujours dans une ambiguïté aussi fuyante que moirée.

Ingrid Luquet-Gad

 

Une de nos premières expériences commune marquante a été la découverte du catalogue de l’exposition Dionysiac, qui a eu lieu au centre Pompidou, à Paris, en 2005. D’abord, la plupart des artistes présentés sont devenus un point d’interêt central pour nous : la scène des artistes californiens des années 60-90, et surtout Jason Rhoaes et Mike Kelley (non présentés dans l’exposition),Thomas Hirschhorn, Jonathan Meese, John Bock, Gelatino. Une des préfaces du catalogue, écrite par Barbara Stiegler, décrit comment l’utilisation du mot “Dyionisiaque” par Nietzsche a été inspirée par le dieu Grec Dionysos, Dieu de l’explosion et de l’enthousiasme, force de la vie et de la destruction, de tous les emportements. Cela représente la terreau des nos engagements et lectures qui ont suivi et persistent encore, Foucault et ses écrits sur la psychologie et la folie, le dégoût du Zarathoustra de Niezsche pour sa volonté d’émancipation, Georges Bataille. La folie, la manie, la mélancolie, l’excès de production, de données, que nous voyons et mettons en scène ne sont pas l’expression de notre propre désertion et désespoir. L’histoire et le présent d’internet et des technologies, comme décrits par Bruce Sterling, Julian Assange, Hakim Bey, Keller Easterling, ou un artiste comme Simon Denny, restent attachés à une forme de résistance par la conscience. Une résistance devant le déferlement, comme on pourrait rire au milieu d’une tempête. Utiliser des ruines, des tranches d’humains dans des objets ou des dessins c’est exposer un contexte. Un état d’objets en guerre perpétuelle, créés pour disparaître ou faire disparaître. Connus pour terminer en belles ruines. Nous voulons montrer un état d’humanité à travers le déchaînement, éviter le lissage, et profiter de la beauté de l’énergie frénétique.

Estrid et Emile